Cartas de un hombre muerto: la película que predijo Chernóbil

Te invitamos a ver la película aquí, aquí o aquí.

En mayo de 1986, tan solo un mes después de la catástrofe de Chernóbil —el accidente nuclear más devastador de la historia— la película "Cartas de un hombre muerto" comienza a ser mostrada en diferentes festivales de todo el mundo y se convierte en un éxito por su manera de mostrar las consecuencias de una guerra atómica causada por un error humano y la forma en que los sobrevivientes reaccionan a una catástrofe de esa magnitud. 

Sorprendentemente, a pesar de coincidir con la catástrofe de Chernóbil, la idea de la película nace a principios de los años ochenta y refleja los miedos de la sociedad soviética, afectada por años de guerra fría y asustada ante la posibilidad de un conflicto o una catástrofe nuclear, que para algunas personas era inevitable. 

Pero ¿cómo salió a la luz una película tan crítica de la situación en la Unión Soviética? ¿Qué nos quiere decir con sus imágenes tan crudas del mundo sumido en un invierno nuclear? ¿Y por qué esta cinta y su mensaje, triste pero esperanzador, sigue siendo tan relevante incluso 30 años después? Descúbrelo en este capítulo junto a Daniela Arias y Óscar Segura.

En este capítulo mencionamos:

• La obra de Arkadi y Borís Strugastki, Fiódor Dostoievsky y Andréi Platónov.
• Las películas Qué dificil es ser Dios, Snowpiercer, Oppenheimer y La batalla de Argel, así como la miniserie Chernóbil.
• La obra de Serguéi Eisenstein y Andréi Tarkovski.
• Los videojuegos S.T.A.L.K.E.R. y Call of Duty.
• La canción Elektrichka del grupo Kinó.

Siguenos en Instagram o Tiktok. También puedes contactarnos al correo solaris.pod@gmail.com

Siguenos en Instagram o Tiktok. También puedes contactarnos al correo solaris.pod@gmail.com.

Solaris Podcast es una idea original de Daniela Arias y Óscar Segura. La producción está a cargo de Óscar Jaimes Navarro y Lisa Sájarova. La música ha sido creada por Timur Jairulin y el diseño gráfico, por Franzi Buitrago.

Transcript

UNKNOWN 0:01

Música

SPEAKER_06 0:06

El 26 de abril de 1986, los operadores de la central nuclear de Chernobyl debían realizar una prueba de seguridad en uno de sus reactores con el fin de mejorar la seguridad en situaciones de emergencia. Lastimosamente, los errores cometidos antes y durante el experimento resultaron en la terrible explosión del reactor número 4, que además causó un incendio en la central nuclear y la emisión de niveles mortales de radiación a la atmósfera. La explosión en la central nuclear de Chernóbil terminaría convirtiéndose en el accidente nuclear más terrible de la historia y, según el informe de la Asociación Internacional de Médicos para la Prevención de la Guerra Nuclear, afectó a millones de personas, entre ellos casi 100.000 liquidadores, que murieron luego de ayudar a controlar los incendios en la planta. Además, miles de personas en Ucrania, Bielorrusia, Rusia y muchas partes de Europa se vieron afectadas por los altos niveles de radiación, que causaron terribles enfermedades como cáncer de tiroides y leucemia. Por si fuera poco, los hijos y nietos de los liquidadores y habitantes de las zonas afectadas han nacido y siguen naciendo con defectos congénitos causados por la radiación, que alcanzó incluso las costas del Mediterráneo. Un mes después, en mayo de 1986, festivales de todo el mundo comenzarían a proyectar la película Cartas de un Hombre Muerto, que recibió muchos premios y se ganó el cariño de la crítica. Esta cinta, ambientada en un mundo después de un holocausto nuclear, nos muestra las consecuencias de una guerra atómica causada por un error humano y la manera en que los sobrevivientes reaccionan a una catástrofe de esta magnitud. Sorprendentemente, a pesar de coincidir con la catástrofe de Chernobyl, la idea de la película nace a principios de los años 80 y refleja los miedos de la sociedad soviética, afectada por años de guerra fría y asustada ante la posibilidad de un conflicto o una catástrofe nuclear, que para algunas personas era inevitable. En palabras de su director Konstantin Lopushansky, si yo no hubiera hecho esta película, seguramente la habría hecho otra persona. En aquel entonces, la gente tenía la sensación de que se avecinaba una terrible catástrofe nuclear. Pero, ¿cómo salió a la luz una película tan crítica de la situación en la Unión Soviética? ¿Qué nos quiere decir con sus imágenes tan crudas del mundo sumido en un invierno nuclear? ¿Y por qué esta cinta y su mensaje, triste pero esperanzador, sigue siendo tan relevante incluso 40 años después? De esto y mucho más hablaremos en el capítulo de hoy.

SPEAKER_01 2:26

Soy Daniela Arias.

SPEAKER_06 2:27

Y yo soy Oscar Segura. Y esto es Solaris Podcast.

UNKNOWN 2:33

¡Payéjale!

SPEAKER_05 2:39

Antes de empezar, queremos contarte algo muy importante. Siempre que escuches este sonido, daremos una nota aclaratoria cultural o contextual de la película. Ahora sí, continuemos con nuestro episodio.

SPEAKER_01 2:53

Bienvenidas y bienvenidos. Mi nombre es Daniela Arias, soy traductora y especialista en cine, y como siempre me acompaña Óscar Segura, filólogo traductor del ruso, y esto es Solaris, un podcast de cine soviético y postsoviético.

SPEAKER_06 3:07

Hola Dani, qué rico estar por aquí de nuevo. Estamos Estamos de vuelta y hoy vamos a hablar de la película CARTAS DE UN HOMBRE MUERTO, o en ruso PISMA MIORDOVA CHELAVEKA. Esta es una película de 1986 del director ruso Konstantin Lopushansky, y además es una de las primeras películas de lo que después se llamaría el cine de la peristroica. Este es un término con el que se caracterizan las obras del séptimo arte, que reflejaron un cambio social que vivió la Unión Soviética desde mediados de los 80 hasta su caída en 1991. Y como siempre vamos a hablar de la película a profundidad, así que para evitar spoilers les recomendamos verla de antemano en los enlaces que les dejamos en la descripción de este capítulo y en nuestras redes sociales.

SPEAKER_01 3:47

Esta película transcurre en un país sin nombre que es azotado por un holocausto nuclear. Tras el lanzamiento accidental de unos misiles con bombas atómicas, este lugar y suponemos que el resto del mundo se ha convertido en un desierto radioactivo. El tema de lo radioactivo como esta cosa así atómica pues es una parte muy importante como de la atmósfera del película es de lo más impactante a mí es de lo que más extrañeza me causó como que empieza esto con ese ambiente todo opaco todo como un humo en donde uno se trata de meter y vislumbrar cualquier cosa claro que la trama es importante y vamos a hablar de ella pero más que la narrativa lo que nos atrapa lo que atrapa al espectador es que se transmite esa sensación de desolación el aspecto visual es súper importante claro o sea esos tonos sepia esos planos del mundo exterior de base A mí me impresionó mucho como el agua, los charcos, como toda esta cosa así de un agua viscosa. Eso me impresionó un montón. Y se siente ese espesor del aire tóxico. También es importante que vemos muchos primeros planos. Para el director eso es súper importante. Las caras de los sobrevivientes, sus gestos, su tristeza, su rabia, todo eso es algo que el director considera esencial.

SPEAKER_06 5:04

Sí, total, ¿no? Y en ese mundo tan devastador que nos están mostrando es donde encontramos a la gente. al personaje principal de la película, el profesor Larsen, un científico ganador del premio Nobel que lo vemos atormentado por la culpa y la desesperación. Él está refugiado en el sótano del museo de historia en el que trabajaba su esposa antes de la catástrofe. Y ahí lo vemos, y además de ayudar a su esposa que se está muriendo, él sale a buscarle drogas, por ejemplo, medicina, el profesor Larsen le escribe cartas a su hijo, quien probablemente ya esté muerto por todo lo que está pasando en el mundo de la película. Y en esas cartas él reflexiona sobre sobre lo que ha sucedido. Él intenta comprender y explicar la situación en la que terminó la humanidad. Y esas misivas son las que le dan el nombre a la película. Son el recurso utilizado por el director también para darle profundidad psicológica. En las cartas las que nos llevan un poco al pasado, a cómo empezó todo. Y a pesar de que nosotros como espectadores sospechamos que el hijo no sobrevivió a la catástrofe, su presencia igual es una constante en la película. Es una paradoja un poco. Y por un lado las cartas nos permiten conocer el dilema del profesor, que está resignado pero que guarda la esperanza de volver a su hijo y que no tiene fuerzas pero que al mismo tiempo quiere seguir viviendo y si bien el destinatario de las cartas es su hijo nosotros como espectadores también nos convertimos en interlocutores entramos en un diálogo con los personajes en ese sentido el profesor se dirige a él, a su hijo pero también a nosotros y de esa manera nosotros también entramos a formar parte del mundo de la película

SPEAKER_04 6:37

sí

SPEAKER_01 6:46

sí la verdad eso se siente mucho se siente como que uno se involucra un montón eso me encanta de la película la verdad también hay unas secuencias súper impactantes porque en un punto hay unos niños huérfanos que llegan al refugio del profesor y de sus colegas y nos enteramos que esos niños vivían en el orfanato de la iglesia pero que después de la catástrofe ellos se quedaron en estado de shock o sea vemos a los niños como completamente callados ellos no pronuncian una palabra no reaccionan a nada de lo que pasa a su alrededor o sea están completamente perturbados y pues como decíamos ahorita de los primeros planos la cámara se detiene en ellos en esa mirada perdida que ellos tienen como de verdad no saben que está pasando a su alrededor y ese silencio claro esta cosa de perder el habla es algo central para la película es algo también que me llamó mucho la atención y con lo que contrastó muchas otras películas sobre tragedias así sobre un mundo post apocalíptico sobre catástrofes guerras etcétera y es que la angustia se suele comunicar se suele transmitir con llantos con gritos y con estas con algo con el ruido y en cambio acá es todo lo contrario es como silencio entonces eso me parece súper súper impactante me gusta un montón el tema y es que bueno los niños llegan al refugio, el sacerdote que los cuidaba intenta que los lleven al búnker central que el gobierno había dispuesto a raíz de la situación, pero los médicos que estaban asignados a ese lugar y que tenían que elegir a las personas que se iban a quedar, rechazan a los niños porque les habían dado instrucciones de que en el búnker solo podían estar los sobrevivientes sanos y los que pudieran ser todavía útiles para la sociedad. Larsen no tolera esa burocracia, no puede creer que algo así haya sobrevivido en incluso al desastre nuclear, y decide que no se va a ir del refugio y que se va a quedar con los niños.

SPEAKER_06 8:42

Si sabes lo que dices ahorita del silencio y el contraste con el ruido, me hizo pensar en Humaira Sánchez, la niña de la catástrofe de Armero.

SPEAKER_05 8:54

La tragedia de Armero fue un desastre natural ocurrido en Colombia el 13 de noviembre de 1985 como consecuencia de la erupción del volcán Nevado del Ruiz. La población de Armero, ubicada a poco menos de 50 kilómetros del volcán, quedó completamente destruida y más de 20 mil de sus 29 mil habitantes murieron a causa de la catástrofe. El número de víctimas totales se estima entre 23 mil y 25 mil personas.

SPEAKER_06 9:23

en esta catástrofe que fue tan ruidosa obviamente ¿no? porque es una explosión vulcánica llena de llantos y gritos del dolor de todo un pueblo que desapareció la imagen más fuerte que se nos quedó y que todos tenemos grabado en nuestro ADN colombiano es la de Omaira Sánchez en silencio en primer plano mirando a la cámara ¿no? es como la angustia total representada a través del silencio ¿no? eso es una cuestión

SPEAKER_01 9:48

impresionante oye sí, esa imagen que tú mencionas es muy fuerte, es muy Y me hace pensar en una entrevista que yo vi hace poco a la mujer en la que se basó la serie de Chernobyl, esa serie que fue muy famosa, muy exitosa, que de hecho a mí me gustó también un montón, que la protagonista es Jessie Buckley, que ahorita es súper famosa, es como de esos súper primeros trabajos que hizo. Y la mujer en la que se basó la serie dice que de las cosas que más le molestaron de la adaptación del libro que trata de su vida es que muestran a su esposo todo el tiempo gritando, todo el tiempo gritando. el tiempo como con estos llantos así muy ruidosos porque ella recuerda que no fue así que él de hecho pues era más bien este dolor como contenido que no expresaba con con gritos y que no era la voz así pues que escandalizar a todo el hospital sino que era una cosa así muy contenida entonces si ese es el dolor expresado otra forma y me parece me parece que resuena también ahí es

SPEAKER_06 11:00

Y en la parte final de la película, el profesor y los niños intentan celebrar juntos la llegada de la Navidad. Es una escena muy bonita, ellos arman un árbol improvisado, con alambres, con cositas que encuentran por ahí en el refugio donde están, y deciden salir a la calle a ver la primera estrella, como en una historia navideña. Pero obviamente el cielo está cubierto por el humo del incendio nuclear. Y sin embargo al final vemos a los niños caminando juntos, con determinación, a pesar del viento radioactivo y todo esto es gracias a la esperanza que les ha dado el profesor Larsen. Y aquí termina la película y termina con una cita del manifiesto de Russell y Einstein. Tenemos ante nosotros, si queremos, un progreso continuo en felicidad, conocimiento y sabiduría. ¿Eligiremos en cambio la muerte porque no podemos olvidar nuestras disputas? Hacemos un llamamiento como seres humanos a seres humanos. Recordar vuestra humanidad y olvidar el resto.

SPEAKER_05 12:04

El Manifiesto Russell Einstein es un texto redactado en 1955 por el filósofo Bertrand Russell y firmado por 11 eminentes científicos e intelectuales de todo el mundo, entre ellos Albert Einstein, poco antes de su muerte. El texto alerta de la peligrosidad de la proliferación del armamento nuclear y demanda a los líderes mundiales buscar soluciones pacíficas a los conflictos internacionales.

SPEAKER_06 12:32

Creo que podemos empezar hablando de cómo la película pasó de casi ser rechazada a convertirse en un estándar

SPEAKER_01 12:39

del cine soviético. Sí, después de su estreno, Cartas de un Hombre Muerto, que entre otras cosas era la película debut de Lopushansky, obtuvo muchos premios internacionales prestigiosos. Sin embargo, hubo muchas voces críticas que la calificaron de oportunista porque llegó a las salas de cine solo 30 días después de la catástrofe de Chernóbil. Pero si nosotros nos fijamos, y pues de esto les vamos a hablar más en detalle, la historia de la creación de la película demuestra que el director no tenía la intención de aprovecharse de lo que estaba pasando. En realidad cuando él concibió el proyecto, que fue a principios de los 80, él no creía para nada que pudiera realizarlo. Era impensable

SPEAKER_06 13:17

casi. Sí, de hecho era todo lo contrario. Este director joven no le inspiraba confianza ni al gobierno, ni a las instituciones cinematográficas soviéticas. Hay que recordar o contarle a los que no saben que el cine en general en Rusia está regido por por las instituciones gubernamentales que son GOSKINOMOS, FILM y el Ministerio de Cultura.

SPEAKER_05 13:40

Goskino era el nombre coloquial del Comité Estatal de Cinematografía de la Unión Soviética encargado de coordinar, organizar y censurar la actividad cinematográfica en todo el territorio. Mosfilm es uno de los estudios cinematográficos más grandes y antiguos de Rusia y de Europa. Fue fundado en 1924 en la Unión Soviética y su catálogo incluye la mayoría de las películas más aclamadas de la era soviética, incluyendo las obras de Andrei Tarkovsky y Y...

SPEAKER_06 14:14

¿Por qué? Lopushansky era discípulo y seguidor de Andrei Tarkovsky, el famoso director que en ese momento ya se había exiliado en Europa. De hecho, Lopushansky fue el asistente en Stalker, una de las producciones más importantes de Tarkovsky. Pero también hay otro problema y es que el guión de la película no prometía nada bueno. Imaginémonos a los burócratas soviéticos leyendo un guión sobre un mundo tras una catástrofe nuclear donde las vidas humanas se consumían en búnkeres, entre las ruinas radioactivas, con niños llorando quemados muertos todo eso en contra de la idea de la superioridad nuclear que tanto buscó la unión soviética durante la guerra fría

SPEAKER_01 14:54

sí y eso explica por qué la película estuvo varios años en una especie de limbo burocrático el guión lo cambiaron un montón de veces le hicieron un montón de correcciones obligaron a los guionistas a introducir una nota como de optimismo histórico a ubicar los hechos por allá en una isla aislada o sea no en la unión soviética para nada cerca del bloque socialista, sino en el territorio de la OTAN, por allá en uno de los territorios enemigos, pues eso también es muy inciente.

SPEAKER_06 15:25

Y al final eso se nota mucho en la película, ¿no Dani? O sea, como que seguramente entre cambio y cambio se perdieron muchos detalles concretos, Y el resultado es una película más abstracta. Uno en ningún momento sabe quiénes son los malos, quiénes son los buenos, en dónde estamos ubicados. O sea, es más una película sobre el daño abstracto de la humanidad que sobre un país concreto haciendo algo

SPEAKER_01 15:50

mal.

SPEAKER_06 15:53

Sí, es más una cosa existencial, la verdad, de acuerdo. Totalmente. Pero por suerte para nosotros como espectadores y para Lopushansky, a mediados de los 80 la situación política en la Unión Soviética comienza a cambiar poco a poco. los dirigentes comenzaron a darse cuenta de que no iban a ganar la carrera armamentística. Y por eso mismo cambian de guión y emprenden una campaña antimilitarista. Y es ahí donde comienzan a aparecer motivos apocalípticos en la propaganda oficial. Por ejemplo, el concepto de invierno nuclear, que ahora todos conocemos, fue en esa época que comenzó a hacerse popular. Y sobre todo porque era usado ya no por los científicos, por ejemplo, que fueron los primeros en llamar la atención sobre el tema, sino por periodistas, politólogos y en general por la propaganda soviética.

SPEAKER_00 16:45

Y

SPEAKER_06 16:55

eso significa que las visiones apocalípticas, por llamarlas de alguna manera, del guión de cartas de un hombre muerto, ya no eran, como decían antes, como la imaginación de un director misántropo y modernista, sino todo lo contrario. La película ahora seguía las ideas que tenía el gobierno de la época. de cómo debía ser el cine de la peristroica y en ese sentido pasó casi que a convertirse en un encargo

SPEAKER_01 17:21

estatal. Sí, y es interesante porque Lopushansky no quería eso, o sea, no era esa su intención, simplemente es como estos momentos extraños en los que corrientes de la historia como que se cruzan y de repente resulta siendo favorable para el Estado, algo que el director pues no tenía en su mente, pero al menos la película salió a la luz porque se permitió en ese momento. En mayo del 86, que es cuando se estrena, coincide, como les decíamos, con estos postulados de la ideología oficial, pero también con el ánimo de los científicos y de la élite intelectual del inicio de la perestroika, porque ellos, después de tantos años de guerra fría, empezaron a apoyar la desmilitarización y a promover esta idea de que se necesitaban cambios para evitar más catástrofes en el futuro. La explosión de Chernóbil, la derrota en Afganistán, la ola creciente de denuncias contra el abuso del poder del gobierno, de los entes militares. Todas las revelaciones de corrupción dentro del gobierno fueron destruyendo poco a poco, pero con mucha fuerza, ese mito oficial del país más poderoso del mundo. Y pues ahora más bien era como un monstruo gigante que estaba agonizando entre esos residuos nucleares de Chernobyl.

SPEAKER_06 18:36

Sí, total, ¿no? O sea, obviamente nosotros sabemos la importancia que tuvo Chernobyl en los cambios que se dieron a finales de los 80 así en 1991 la caída de la Unión Soviética pero eran muchas más cosas es un tema obviamente mucho más profundo pero como tú lo dijiste a veces es una casualidad que se juntaron todas las cosas necesarias para que esta película saliera a la luz y en ese sentido algo que me parece interesante y al mismo tiempo que no es muy sorprendente es que Cartas de un Hombre Muerto sea la visión soviética del fin del mundo me refiero a que por ejemplo tiene personas sucias envueltas en harapos, un búnker subterráneo con un engorroso sistema de cerrojos las batas contra la radiación así medio improvisadas las máscaras anticas anticuadas por un lado esto puede parecer como ciencia ficción pero en realidad ese diseño catastrófico está como sacado de la memoria genética soviética que vivieron guerras revoluciones, hambrunas deportaciones violentas en algún sentido ellos ya han visto ese horror y aquí se transforma es para llevarlo al mundo mundo posapocalíptico después de un holocausto nuclear, pero el horror ya existió en el pasado y eso es tal vez algo que hace que la película sea aún más fuerte, ¿no?

SPEAKER_01 19:54

Sí, ese horror es una cosa muy muy tangible, como que se siente muy familiar de una manera aterradora, es como una pesadilla como unos ecos de esos horrores de la historia y pues si también lo pensamos desde la época de esas películas épicas de Sergei Eisenstein la película de Lopushansky es como el último ejemplo de cómo las aspiraciones del artista coinciden en parte con las del gobierno, con esas exigencias de que el arte tuviera una función social. Y bueno, por si no lo saben, Eisenstein era un gran creyente del sueño soviético al principio de su carrera, pero aún así él logró mantener una visión artística muy clara. Él hizo películas como El acorazado Patyomkin y Octubre, que son muy estudiadas todavía hoy. De hecho, esa visión artística tan establecida, como que él realmente logró cristalizar, le permitió años después hacer Iván el Terrible, una película que critica el abuso de poder por parte de Stalin, aunque pues eso ya fue en una época en el que él ya empezó a tener problemas con el gobierno, ya había empezado a tener conflictos

SPEAKER_06 21:05

graves. Sí, creo que para resumir un poco, lo interesante no es la propaganda, porque muchos directores a lo largo de la historia de la Unión Soviética y hoy en día en la Rusia moderna también crean productos de propaganda para el gobierno. Aquí la cuestión es más de la casualidad que ya hablamos de que la creación artística individual coincidió con lo que buscaba el gobierno. Ahí está una pequeña diferencia que hace importante que obras como la de Lopushansky o las de Eisenstein tengan mucho más valor y sigan siendo estudiadas a diferencia de por ejemplo las películas de los años 40 que simplemente eran una oda a Stalin sin una visión artística propia.

SPEAKER_01 21:47

Sí, lo que hablamos, o sea, coincidió, pero no porque fuera de verdad un encargo, sino tipo simplemente había un tema que el gobierno creía que coincidía con sus ideas, pero en realidad no. Sí.

SPEAKER_06 22:16

Bueno, otro tema que me parece relevante, Dani, es el papel de la ciencia y los científicos. Para mí este es el aspecto de la película que sigue siendo más relevante hoy en día. De hecho, cuando volví a verla hace unos días, pensé que muchas de las frases que pronuncia Larsen podrían muy fácil estar en una cinta como Oppenheimer, por ejemplo, de Christopher Nolan. Escucha esto, por ejemplo. Ahora vuelvo a tener ese sueño. Estoy parado frente a una locomotora sobre las vías. Y también estoy en la cabina de la locomotora.

SPEAKER_04 22:48

Me

SPEAKER_06 22:48

atropello a mí mismo y no puedo hacer nada al respecto. Mi vida y mis trabajos científicos resultaron ser esa despiadada locomotora con la que atropellamos a toda la humanidad. ¿Cuántas personas imagino en la cabina de esa locomotora?

SPEAKER_04 23:04

Desde

SPEAKER_06 23:07

un gran ladrón hasta nuestro presidente.

SPEAKER_01 23:11

Uf, me encanta que hayas traído a colación esa cita, si no había pensado en esa conexión, porque de verdad resuena un montón, no solo con lo que pasa en esta película, sino es que la imagen del tren está muy presente en, digamos, las representaciones culturales soviéticas y rusas, incluso desde el siglo XIX, o sea, esta imagen de la locomotora aparece en la película de Lopushansky, hay un momento importante en el que aparece, pero también en muchas obras artísticas del periodo soviético tardío. Está en la literatura, en la pintura, en el cine, incluso en la música. Y si para las vanguardias el tren había sido como este símbolo de la modernidad y del progreso, en las últimas décadas del siglo XX el tren aparece una y otra vez, pero como para representar el estancamiento, todos esos proyectos fallidos, el fracaso del ideal del hombre y de la sociedad nuevos. En esta peli, por ejemplo, vemos un tren de carga que atraviesa un túnel muy oscuro, se crea de verdad una sensación muy clara. ese tren lleva los cuerpos de las personas que no sobrevivieron a la catástrofe. Y bueno, pues para hablar de otras representaciones artísticas que también tienen este motivo, hay una canción de una banda súper famosa que se llama Kino, la canción se llama Elektrychka, que es el tren de cercanías, y dice que este tren está llevándonos a un lugar al que no queremos ir, como diciendo que estamos en un tren sin destino. El tono es súper lúgubre, la voz de ese tipo que es Viktor Tsoi es muy grave, es como... un poco atemorizante y desolador.

SPEAKER_06 25:03

Sí, de hecho, pensando un poquito en el tema de las locomotoras, creo que fácilmente una persona podría escribir una disertación sobre el rol de las trenes y las locomotoras en la literatura rusa, por ejemplo. Para Dostoyevsky, por ejemplo, era bastante aburrido viajar en tren. El idiota creo que empieza en un vagón de tren. Y luego tenemos, por ejemplo, alguien en el siglo XX como Andrei Platonov, que le encantaba la parte técnica. Él cuenta en sus cuentos también hasta los detalles más pequeños de cómo funciona una locomotora, por lo que tú decías obviamente, era al menos al principio del siglo una representación del progreso y ese progreso va avanzando se estanca y llegamos por ejemplo, ya es un ejemplo de la literatura y del cine occidental, pero una película como Snowpiercer un tren que da vueltas por el mundo y que al mismo tiempo lo contiene todo adentro y que es como la representación del final del progreso, por así

SPEAKER_01 26:01

decirlo eso está tremendo, me cae

SPEAKER_06 26:03

Y en ese sentido, siguiendo como con el tema de esa metáfora de la locomotora, podríamos decir que Cartas de un Hombre Muerto es una película anticientífica. En ese sentido, lo podemos unir con el hecho de que era un tema muy popular a finales de los años 80. Lo vemos tanto en el cine, la literatura occidental como rusa, los científicos locos, los experimentos fallidos, los inventores responsables de las catástrofes mundiales. Pero el Lo bonito que hace Cartas de un Hombre Muerto es que nos muestra que incluso en el ámbito intelectual en el que está el profesor Larsen y otros personajes de la película, se conserva una pizca de bondad, de cordura y de esperanza. Entonces, en la película vemos que Larsen maldice la ciencia, porque fue la que causó la destrucción. Pero al mismo tiempo él sigue siendo científico. Por ejemplo, él desarrolla un nuevo sistema de medición del tiempo. Él maldice los logros de los científicos, pero son las investigaciones, junto a las cartas que escribe a su hijo, las que le impiden perder la razón en este mundo tan difícil y además este personaje repite y repite que los científicos y los ingenieros son los culpables de la catástrofe pero al final él es el único que se interesa por la suerte de los niños abandonados y por un lado tiene razón al maldecir a los científicos por su orgullo pero la pregunta que nos plantea la película es si son los científicos los culpables de lo que ha sucedido en ese sentido yo me pongo a pensar y digo nadie va a la guerra nadie ha ido a la guerra a mi seguro que no me han invitado a una guerra por las diferentes soluciones de un teorema, por ejemplo o nadie ha declarado una cruzada en nombre de la teoría de la evolución nadie ha matado por la teoría de la relatividad, se ha masacrado o se ha torturado con otros pretextos los conocemos todos, la superioridad de una nación, de una clase social de una raza, o las guerras en nombre de Dios o en nombre de la revolución, en todos estos casos me parece que se utilizó la ciencia deformando sus postulados, ¿no? y sacando un poco las

SPEAKER_01 28:05

palabras de contexto. Bueno, pues ahí yo creo que tenemos una opinión un poquito diferente porque, claro, es cierto que en las guerras no se dice, bueno, estamos luchando por la ciencia, pero por los avances de la ciencia sí se han cometido muchas atrocidades, digamos, no sé, las ideas positivistas consistían en que el fin último de la humanidad pues es dominar, controlar la naturaleza por medio del conocimiento. Por ejemplo, para saber cómo ocurría la gestación, se sacrificaron muchas mujeres negras esclavizadas que estaban en embarazo, o sea realmente por esos experimentos es que sabemos cómo son cada una de las etapas de la gestación y pues hay muchos ejemplos de atrocidades así como lo primero es el conocimiento y por eso hacemos lo que sea necesario creo que lo vemos incluso hoy, lo que creo que aquí en la película se resalta es esa pregunta que aparece cada vez que hay un desastre así en el que el hombre tiene responsabilidad directa como esta pregunta de cuál es el papel de la ciencia? ¿Cómo las personas, digamos, utilizan la ciencia para sus fines? Es una pregunta moral bien importante, un dilema moral importante.

SPEAKER_06 29:13

Sí, sabes, creo que tienes razón, obviamente, que los daños que ha hecho tal vez el progreso científico y sobre todo, por ejemplo, si estamos hablando del sur global o de países colonizados, si tienes razón, de que el rol de la ciencia es como mínimo debatible, ¿no? Pero también creo que siempre hay como un fuerzas detrás o no siempre pero en muchos casos hay unas fuerzas detrás que se aprovechan también de la ciencia y de los deseos de los científicos del progreso y aquí tenemos en la película ese tema digamos que la ciencia es responsable de la aparición de la energía atómica eso es verdad pero acaso los científicos querían crear el arma más poderosa de la historia y destruir el mundo o eso era también una presión por parte de otras fuerzas y lo bonito de esta película es que al final Lars les transmite su conocimiento científico y su conocimiento también moral y ético a los niños. Y gracias a esos conocimientos, a la bondad, a la empatía, ellos sobreviven, los niños, y en algún sentido lo que nos muestran es cómo renace la humanidad. Y la humanidad renace a través de la ciencia, ¿no? No es que la tengamos que dejar atrás. Es parte de

SPEAKER_01 30:26

nosotros. Sí, me parece muy bonito eso que dices de que ellos renacen Y fue esto.

SPEAKER_02 30:50

Es

SPEAKER_01 30:55

cierto que no lo vemos hablar, la cámara pasa como por los rostros de varios de los niños, pero en el fondo escuchamos esta voz en off y ese recurso formal del director es como un guiño, como decir, los niños se recuperan, hay un futuro, los niños sí van a estar bien. Pues sí, ese científico de verdad les regaló cosas muy sencillas, ese árbol que decoraron, como enseñarles que juntos podían construir algo bello es parte de lo que les permite tener esperanza

SPEAKER_06 31:24

y en algún sentido no, podemos resumir esto que estamos hablando de que en el caso de Larsen eso es lo que lo hace un verdadero científico en la película vemos a otros colegas de él, algunos se maldicen a sí mismos, otros maldicen a la raza humana como un todo pero Larsen es el único que piensa en cómo sobrevivir en este mundo y esa es una paradoja de esta película que aunque aparentemente anticientífica e incluso tal vez antihumanista en realidad es procientífica y humanista ¿no? y en ese sentido es incluso esperanzadora es lo que tú dices al principio es una película muy triste devastadora con unos colores que te hacen sentir perder la esperanza pero al mismo tiempo llegas al final y crees un poquito más en lo que podemos hacer como humanidad todos juntos

SPEAKER_01 32:13

es cierto como que uno respira de verdad como que uff me pasó eso como que uno ve a esos niños caminando en contra de esa ventisca y sí se siente como... Yo me acuerdo me quité los audífonos y

SPEAKER_06 32:26

fue como... En algún sentido sí la película te atrapa, ¿no? Porque usando las mismas técnicas visuales del cine no se esconde lo que tú ya mencionaste, los planos así cercanos. Obviamente estamos en búnkeres. El sonido también, los gritos, algunas alarmas que suenan. Y efectivamente junto con los niños al final de la película ellos salen a caminar. Y nosotros también como que salimos con ellos, ¿no? Es una imagen muy bonita.

SPEAKER_01 32:54

Es cierto. Uf, eso no lo había pensado. Como de los espacios cerrados a el exterior.

UNKNOWN 33:06

Eso me gusta un resto. Sí.

SPEAKER_01 33:16

Bueno, nosotros solemos contarles cosas que están en las películas, pero que para nosotros, o sea, sí son un poquito extrañas, pero no sabemos muy bien de dónde vienen. Aquí en Cartas de un Hombre Muerto no hay tantas cosas así, no hay elementos tan difíciles de entender para el público extranjero, pero sí podemos mencionar algunos detalles interesantes.

SPEAKER_06 33:35

Sí. En primer lugar, me gustaría mencionar el tema de las máscaras antiguas que se ven en la película porque fue algo con lo que yo crecí, una imagen con la que yo crecí en videojuegos, ¿no? como Stalker y Call of Duty, o en las películas sobre guerras, obviamente, sobre el apocalipsis, o más recientemente en series como Chernobyl. Y lo que yo no sabía es que esas máscaras antiguas tenían sus orígenes en la Primera Guerra Mundial. La primera máscara antigua rusa fue creada en 1915 por Nikolai Zelinsky, y usaba carbón activado para purificar el aire contaminado. Y algo que me pareció muy bonito es que el inventor no patentó su máscara de gas, porque consideraba que era incorrecto moralmente, ¿no? Y que no se podía sacar provecho de las muertes humanas y por eso Rusia le cedió al menos a sus aliados el derecho a fabricar esas máscaras de gas y en el caso concreto de la película podemos ver las máscaras de gas GP4 y GP5 así como modelos para niños e incluso para animales, hay una escena donde sale un perrito todo bonito con su máscara de gas así como medio asustado

SPEAKER_01 34:38

Sí, la verdad es que esas máscaras a mí también me parecen salidas como una película o no sé, de pronto para un disfraz de Halloween, tal vez uno las ve pero en la Unión Soviética eran muy comunes como tú dices, o sea, la Primera Guerra Mundial la Segunda Guerra Mundial y hay casas en las que todavía la gente conserva máscaras así que heredaron de sus abuelos, de sus bisabuelos y seguramente esas máscaras estarán por allá en los balcones que es donde los rusos suelen guardar como todas las chucherías o cosas que creen que les servirán en el futuro pero que en realidad son como acumulación ahí de basura pues en último y pues bueno, no en vano esas máscaras También tienen nombres coloquiales a las máscaras GP4 que tú mencionaste. Les dicen elefante verde o en ruso zilionislonik. Tanto por su color como por esa manguera de respiración que tienen que parece la trompa de un elefante.

SPEAKER_06 35:31

Sí, claro. En algún sentido como que es curioso, ¿no? Que imagínate tú tener en tu idioma un nombre coloquial a una máscara de gas, ¿no? Eso de una como que... abuelos que tuvieron que estar en búnkeres en la época de la segunda guerra mundial o en la época de los miedos de la guerra fría que hacían también los como los entrenamientos antinucleares y todo eso y además el nombre que es literal elefantito verde le da como un toque muy siniestro y también me hizo pensar un poquito en como que en los bares modernos o en los lugares modernos que quieren darle como una eh estética soviética a las cosas. Uno de los primeros detalles son las máscaras de gas, porque sí, uno lo lleva en uno como a ese mundo soviético de los años 40 y 50. Y de hecho, cuando trabajé yo en una agencia de noticias rusa que se encontraba en un edificio que es considerado de alto riesgo, en el escritor yo tenía un kit de emergencia que incluía una máscara de gas, ¿no? Obviamente era mucho más chiquitica, era naranja, pero igual la mera idea de tener una máscara de gas en tu lugar te ha trabajo, por si las

SPEAKER_01 36:50

moscas, es muy loca. No, muy loco. O sea, yo hace muchos años, muchos años no trabajo en una oficina, pero dudo mucho que en Colombia haya algo remotamente similar a un kit de esos. Bueno, pues sí, y también otro aspecto del que nos gustaría mucho hablar es que el guión de esta película fue escrito con la participación de Boris Strugatsky. Ese apellido, quiero que lo recuerden, seguramente algunos de ustedes ya lo han escuchado, por Porque él es uno de los hermanos Strugatsky, Boris y Arkady. Ellos son escritores de ciencia ficción muy populares e importantes en la Unión Soviética. Tienen unos libros geniales.

SPEAKER_06 37:26

Sí, los hermanos Strugatsky son unos genios. Obviamente, pues como el nombre uno lo hace pensar, escribieron la mayoría de sus obras juntos. Y tenían temas como el progreso tecnológico, la relación entre el poder y la ciencia, la voluntad del hombre, el poder absoluto. Y su obra también nos permite ver como el cambio social, tanto personal de ellos como de la sociedad a su alrededor. ¿Por qué? Porque sus primeras obras en los 50, 60, estaban enfocadas en el progreso tecnológico y obviamente eran del agrado del gobierno soviético, que también estaba como en ese progreso, era la época de conquistar el cosmos y todo eso. Pero en los 70, ellos comienzan a cambiar su enfoque y se centran más en temas como la individualidad, el liberalismo, la disidencia, si estas tres palabras completamente antisoviéticas, Y por eso se convirtieron en víctimas de la censura. De hecho, muchas de sus obras de la época más tardía fueron distribuidas clandestinamente. Y también es bonito pensar que eso les permitió, y volvemos al tema como de la visión personal de los artistas, de la fuerza que tiene, ellos fueron de los pocos autores soviéticos de ciencia ficción que siguieron siendo populares después de la caída de la Unión Soviética. ¿Por qué? Porque al fin y al cabo escribían de temas reales que seguían siendo relevantes Claro,

SPEAKER_01 38:49

y de hecho, ahora que lo dices, que fueron distribuidas clandestinamente, seguramente fue en Samizdat, ¿no? Como en estas publicaciones hechas artesanalmente, no por las editoriales estatales ni nada así, sino que la gente editaba los textos que no se podían distribuir así de manera oficial y se rotaban los libros, como que había todo este mercado underground, que eso también es súper interesante. y bueno pues esta historia no estaría completa si no les contamos que ellos en el 77 escribieron su novela más famosa que es Picnic junto al camino y en esa novela se basó Tarkovsky para su película del 79 Stalker o sea esa película que seguramente todos conocemos y bueno existen muchas traducciones al español eso sí somos afortunados existen muchas traducciones de sus obras más importantes yo les recomendaría esa Picnic junto al camino me encantó también está que difícil de ser Dios que de hecho la llevó al cine Alexei German otro director muy importante de esa época soviética pero además hablando como de lo viscoso de lo como corporal del mundo posapocalíptico también si quieren volver a ver algo así en esa película lo encuentran

SPEAKER_06 40:04

sí total y de mi parte yo les recomiendo una de sus primeras obras la verdad que se llama El lunes empieza el sábado esta es una obra muy divertida con muchos elementos del folclore ruso Y de hecho yo tengo tatuada en el brazo una casita con patas de gallina, que es un personaje mitológico que aparece en ese libro.

SPEAKER_01 40:23

Oye, yo no sabía que era por eso que tenías ese... O sea, yo había visto el tatuaje, tú me lo habías mostrado, pero no tenía ni idea que era por ese libro, me parece genial. Además que es un tatuaje re bonito.

SPEAKER_06 40:32

Sí, es una de mis obras preferidas de ellos y de hecho me gustaría algún día también traducirla, una traducción colombiana de

SPEAKER_01 40:41

los Strogatzky. Genial, eso sería genial. Oye, si esa sí sabía que era de tus libros, favoritas es así.

SPEAKER_06 40:57

Estamos llegando ya al final de nuestro episodio y creo que podemos ya comentar la película en términos generales. En mi opinión, esta es la mejor película que yo he visto sobre las consecuencias de una guerra atómica. No digo que las haya visto todas, pero me gusta que esta película se sale de pronto de la idea del héroe que salva al mundo en el último momento o tal vez de la guerra total, sí, como algunas películas también estadounidenses que son más del conflicto entre Oriente y Occidente. Y creo que mezcla a la perfecta dos cosas. Por un lado, el dolor, la desesperanza, el devastamiento, pero por otro, el futuro, ¿no? La esperanza, y eso permite que la película no caiga en el nihilismo total, ¿no? La escena final de la que ya hemos hablado varias veces, con los niños celebrando la Navidad, empezando un mundo nuevo, es trágica, obviamente, pero al mismo tiempo muy esperanzadora. En esa escena Larsen le dice a los niños lo siguiente. Hoy, según mi calendario, es el séptimo crecimiento Eso significa que hoy es Navidad. Deben recordar que esta noche las personas siempre se esforzaban por alegrarse unas a otras. Se hacían regalos, preparaban una mesa elegante o simplemente se sentaban juntos al calor. Conversaban. Esta escena me hace pensar en las imágenes que hemos visto en los últimos años. Niños ucranianos en el metro de Kiev escondiéndose de las bombas lanzadas por Rusia. Niños palestinos alegrando a sus padres. de comer pan o fruta por primera vez en varios días bajo los ataques aéreos de Israel. Personas que a pesar del contexto en el que viven, no olvidan el amor que debemos tener unos por otros. Esa simplicidad que menciona Larsen, hacerse regalos, sentarse a una mesa juntos a comer o simplemente hablar, es lo que nos hace humanos, lo que nos permite encontrar algo en común con los demás. En ese sentido, para mí la idea más importante de esta película es que mientras no perdamos esa empatía y ese deseo de mostrar nuestro amor al prójimo, tenemos esperanza, tenemos esperanza como humanidad de no caer en una catástrofe y de salir tal vez de todas estas guerras, ¿no? Y es lo más increíble y lo más triste es que este mensaje es más actual que nunca. Y en ese sentido, pues, hablando de notas, cinco puntos de cinco, segurísimo. ¿Y tú qué piensas,

SPEAKER_01 43:18

Dani? No, pues yo debo decir que la película me sorprendió un montón. O sea, yo empecé a ver esa película y, claro, está como lo que hablábamos, todos estos tonos C yo pensé de inmediato que es de esas películas así como la de que difícil es ser dios como que uno le cuesta un poco entrar porque claro hay mucho silencio o hay como muchas sino como cámara estática así cosas así pero en realidad este personaje el arsén es muy como uno realmente empatiza con él un montón el actor es excelente las actuaciones de esta película me impresionaron muchísimo hay una escena en la que el tipo llora y ríe al mismo tiempo que yo no lo puedo creer es como la estas películas que de verdad se nutren del talento actoral como estos estudios de personaje prácticamente me encanta, me encanta por eso y al mismo tiempo si como que se nota ese debatirse entre la esperanza y la angustia como sentir bueno y estamos cargando la responsabilidad de lo que va a pasar en el futuro o si es que hay un futuro eso me sorprendió muchísimo y al mismo tiempo como que claro es pesada, es dura pero es adulto con la que el tipo trata a esos niños como que de verdad te consuela mucho, como es un poco un bálsamo en medio de toda esa dificultad y yo no sé, me sorprendió mucho no es una película cualquiera sobre las catástrofes, no es un discurso moralista no es como si el énfasis en la destrucción, como nada de eso es algo de verdad, tiene una sensibilidad muy bella esta película, me gustó un montón si yo, o sea, de notas sí, supongo que 5 de 5 también en realidad es excelente

SPEAKER_06 45:01

sí, y obviamente algo tal vez de lo que no hemos hablado tanto pero que es sorprendente me lo imagino es la gente que acababa de ver lo que sucedió en Chernobyl y de repente ver esta cuestión en el cine o sea, yo me imagino que el contraste tal vez en algún sentido yo me imagino que al vivir una catástrofe como la de Chernobyl uno se queda sin palabras y esta película es como la manera de decir como de pronto de procesar esas cuestiones, ¿no? Estar tan cerca, literal, de una explosión que casi acabó con la vida de muchísima gente y que nos dio a entender como la facilidad, ¿no? La fragilidad también del mundo en el que vivimos. Sobre todo que fue algo que ocurrió fuera de una guerra, ¿no? Esa parte me pareció impresionante y no me imagino cómo lo habrán vivido la gente de esa época, ¿no? Incluso hoy en día, ¿no? La gente que seguro realmente yo más cerca de la zona de Chernobyl, le debe parecer una cosa increíble.

SPEAKER_01 46:04

Sí, escenas porque, claro, cómo representar la catástrofe y la tragedia humana realmente, pero me llama la atención eso que dices, claro, cómo habrá visto esa gente, cómo habrán visto esas personas, esas imágenes, y pensaba, hace poco hablábamos en una clase de la batalla de Algiers, de cómo salió muy pronto después de los hechos, o sea, eso fue como casi que... no sé, no me acuerdo exactamente cuántos años después pero salió muy cerca de los acontecimientos casi que como registro casi como archivo de lo que había pasado porque la gente necesita también como una narrativa que de alguna manera condense lo que se está viviendo y eso me parece bien interesante, no había pensado en ese detalle me gusta hacernos esa pregunta como lo habrá visto la

SPEAKER_06 46:50

gente Sí, sobre todo porque son películas que lo que tú dices nos permiten entender tal vez esa historia O incluso poner en palabras, entre comillas, o en imágenes, esos miedos, ¿no? Esos miedos que a veces son como los más difíciles de explicar porque son miedos a nivel humanidad, ¿no? Es algo, no es el miedo, digamos, personal a la muerte, sino es también el miedo, por ejemplo, a que la humanidad como un todo deje de existir. Eso es increíble, es un logro altísimo de esta

SPEAKER_01 47:21

película,

SPEAKER_06 47:25

sí. Los esperamos en nuestro próximo

SPEAKER_05 47:41

episodio. ¡Paka, paka! ¡Paka! La música es de Timur Jairulin. Franci Buitrago es nuestra diseñadora gráfica. La producción y el fact-checking de este episodio estuvo a cargo de Elisa Zajarova. Soy Oscar Jaimes Navarro. Síguenos en Instagram y TikTok como arrobasolaris.podcast. ¡Paka!